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Alfonso García: “No hay espacios sagrados para el arte”

Martes, Diciembre 10th, 2019

Alfonso García (Santa Cruz de Tenerife, 1961) comenzó su carrera en el arte trabajando las dos dimensiones aunque ya desde pequeño sintió la llamada por expresarse en tres..

Las tres dimensiones ocupan el Espacio y Taller de Arte Alfonso García (ESTAAG), una propuesta permanente de la obra de un artista que cree en lo que hace y para conseguirlo trabajo en ello diariamente.

Doctor en Antropología por la Universidad de La Laguna, algunas de las obras en la calle de Alfonso García son la que se expone en los exteriores del Castillo de San Felpe, en el Puerto de la Cruz y en los jardines del Hospital Universitario de Canarias.

Este viernes, 13 de diciembre y a las 19.30 horas, presenta en ESTAAG Memoria del futuro/Mémoire de l’Avenir en la su autor establece una comunicación con un punto de partida que va más allá de lo presente y lo vivido para dar respuesta a una pregunta. La serie está consta de 25 obras que fueron realizadas en 2019 y de las cuales diez son bronces y quince han sido elaboradas en hierro y acero

- ¿Qué fue primero la escultura o la pintura?

“Comencé trabajando con un soporte en dos dimensiones: tinta y lápices de colores sobre papel, aunque recuerdo de muy joven realizar obras en tres dimensiones en piedra lapilli. Es probable que siga alternando escultura y pintura, pero, desde hace 35 años, presento públicamente mi obra escultórica”

- ¿Por qué se produce esa transición?

“Supongo que la cuestión es ¿cómo las tres dimensiones desplazan a las dos? Es probable que tenga que ver con que el mundo en que vivimos tiene más sentido cuando lo vemos en sus tres dimensiones, cuando se despliega en el espacio, máxime si le sumamos la dimensión temporal, con los materiales que conforman las obras, y el tamaño de las mismas. En ocasiones, mis obras monumentales, centran su fuerza en la sencillez, pese a sus enormes volúmenes, como es el caso de mi obra instalada junto al Castillo de San Felipe en el Puerto de la Cruz (2005). Estas obras se comportan acompañadas de una vibración que configura en ellas formas que las proyectan en un espacio que las trasciende y las libera del peso y las hace etéreas, impersonales, efímeras, frágiles, ingrávidas y sólidas a la vez”.

- ¿Qué tiene para usted de atractivo la escultura?

“El mundo en sí mismo es una gran escultura que además está conformado por miles de ellas y que, a lo largo de los siglos, han cautivado el ojo humano y sigue haciéndolo en la actualidad. Ya sea al observar esculturas en materiales naturales, piedra, mármol o madera, sometidos a poca o mucha transformación por parte del artista o al centrar nuestra mirada en esculturas realizadas en bronce o aluminio, mediante procesos de fundición, o también el trabajo con aceros en sus distintas variantes”.

- ¿Y con qué materiales ha trabajado y con cuál de ellos se siente más cómodo? ¿Por qué?

“En los años 80, comencé trabajando con materiales más accesibles en la naturaleza, tales como la piedra o la madera. Desde los noventa hasta hoy, he querido experimentar con hierros y aceros. He realizado esculturas de fundición en bronce y aluminio con más intensidad en la última década. Cada material y cada proceso de elaboración tiene sus procedimientos y requisitos y cada obra pide y llama a unos materiales como soporte. En muchas ocasiones, me comporto como un facilitador que ayuda a la obra a emerger con dicho soporte y en cuanto la escultura cobra vida, se libera de mí. Pienso que una comprensión básica de las esculturas que realizo no puede limitarse al análisis de su organización formal, sino que va íntimamente unida a los materiales y las técnicas empleadas”.

- ¿Qué intenta transmitir con sus obras?

“Los motivos, el proceso, el contexto y los fines de mis obras no son cuestiones que se planteen de modo semejante en el trabajo que conlleva cada obra escultórica. En la escultura hay más conceptos implícitos, aunque el reduccionismo trabaje bajo los supuestos técnico y conceptual, que agrupan, a su vez, otros conceptos no menos importantes, como son la técnica, la creatividad, la sensibilidad y los conocimientos. Al final, el arte conjuga todos esos parámetros al que suma, incluso, en ocasiones, un proceso de reflexión del artista, de carácter intelectual o de otra índole, que plantea una comunicación que proyecta en el espectador”.

- ¿Por qué esa verticalidad de las formas?

“Supongo que hay diversas constantes en algunas de mis obras y es probable que la verticalidad sea una de ellas. Transformar el mundo real en nuestro mundo creativo nos transforma a nosotros y a nuestras esculturas y estas, a su vez, pueden influir en el contexto social en el que se inscriben o en los espectadores que las observan. La verticalidad no es ajena a ello. Ni tampoco la transformación personal y profesional del encuentro entre artistas que comparten un lenguaje y con otros profesionales que usan un lenguaje común como medio de expresión”.

– Háblenos de sus series, peculiaridades, características.

“Todas las obras que he realizado, llevan implícito un aspecto no sólo técnico sino personal en lo que al oficio se refiere e incluyen lenguajes diferentes y diversos, simbólicos en ocasiones: “Eidolón” (1991), “La Nada” (1996), “Óculos” (1999), “Lécitos” (2000), “Iniquidad” (2013), “La danza mágica” (2015), también obras que representan lo natural, como “Condiciones naturales” (1988), obras que se apropian de códigos temporales en contextos sociales y personales, como las “Armas inútiles” (1989), “Gestos y geometría” (2005), “Cayucos” (2006), “Volátiles” (2007), “Viajes” (2008), “Cajas de luz” (2009), “La piel herida” (2014), “Centaurides” (2016), “Les Vents” (2017), “Poemas de fuego” (2018). En una búsqueda incansable cargada de intenciones variadas, proposiciones y propuestas”.

- Su trabajo no sigue una línea definida, es más conceptual…

“La escultura ha ido ampliando no sólo su denominación sino también su campo. Ya no sólo se le suma la representación tridimensional, que, en mi caso particular, se aleja de la visión antigua heredada hasta nuestros días de la copia de la naturaleza o como representación de acciones u objetos. Quizá muchos nos posicionamos en un más allá cercano a otra disposición, de simplicidad e integración de las partes de la obra en un todo, en un proceso que se aproxima a una realidad, a otra realidad de corte más subjetivo, que pasa por filtros conceptuales, perceptivos. Hay una aprehensión de continuidades y discontinuidades de un mundo enigmático, que en ocasiones busca comprender, conocer e incluso modificar el espacio mediante sensaciones y vivencias de un fragmento de apariencias que a través del ojo y la mano del escultor se funden frente a la mirada del espectador”.

- ¿Qué pretende representar en su última colección, Memoria del futuro?

Memoria del Futuro/Mémoire de l’Avenir nos habla de que el futuro es la vida que está siendo vivida… Explora la evidencia de no dudar en el porvenir que salva los temores y afianza la esperanza. Que no se encorseta en la normalidad y en la cronología, sino en el propósito, en la existencia, en la inclusión, pues, aunque depende de los otros, se sustenta en el yo, en quien construye.
El futuro se abre al porvenir, el cual se aleja de subordinar al individuo a una cultura concreta, que busca dar sentido, permite administrar el tiempo e individualizar nuestras vidas con expectativas, esperanzas y utopías. No busca enmendar ninguna injusticia del pasado o del presente, ni el silencio o la invisibilidad a que se ha sometido el arte canario en los últimos 30 años. Como diría el poeta y escritor Domingo Pérez Minik: “alrededor, dentro y fuera”. Busca establecer una comunicación con un punto de partida más allá de lo presente y lo vivido, como respuesta a una pregunta.
Memoria del Futuro/Mémoire de l’Avenir nos habla a través de su obra de un futuro ausente de pasado, con sentido y, a la vez, de libertad en la que el arte da la oportunidad de vivir un comienzo, una aventura… abierto al tiempo y a espacios que transforman la vida en destino”.

- ¿Puede haber una Memoria del futuro o es una contradicción que propone a posta?
“Se trata de una gran paradoja, en la que buscamos orientarnos al futuro mientras miramos lo simbólico, al futuro curso de los acontecimientos, a lo esencial, a lo probable, a un conjunto de obras y acontecimientos extraordinariamente difíciles de manejar e interpretar en el que se vean realizados nuestros ideales. Un proceso hacia lo humano al que Rousseau llamó perfectibilité.
Por un momento la obra renuncia a la mirada al pasado, pero no a lo esencial para el futuro: a la mirada y el encuentro con el otro, de lugares cercanos o distantes, de condiciones socioculturales diversas que posibilita, por lo menos a mi persona, el primer paso para mirarnos y encontrarnos, aunque pueda resultar lacaniano, de modo que nuestro lenguaje se encuentre y la producción artística sea significativa, para realizar ese viaje continuo que es la vida.
Memoria del Futuro/Mémoire de l’Avenir habla de un tiempo que no es un tiempo en el que nos aislamos mirando a lo profundo, hacia adentro, sino hacia afuera…, que no mira hacia atrás, que nos mueve en un mar de cultura y se apropia de los espacios que están por venir. No recordar. Para el tiempo del recuerdo y del olvido, para abrirnos al tiempo de lo posible, de lo deseable, al tiempo universal que nos sobrecoge y nos lanza a universos superiores, que nos permita, tal como decía Borges, admirar al hombre de todas las opiniones”.

- A qué da prioridad ¿a las formas, a la estética o a lo que quiere transmitir con sus obras?

“En la serie Memoria del Futuro/Mémoire de l’Avenir doy un salto hacia adelante al hablar del Art de l’Avenir que nos invita a cambiar la mirada de lo que habitualmente hacemos, que en mi caso es hablar de las historias, la memoria y el olvido, cuestiones sobre las que siempre me he interesado junto a la reconstrucción de significados. Memoria y olvido que nos devuelven al presente, que se conjugan en los mismos tiempos. En el caso que nos trae, conjugamos en futuro para vivir el inicio, dejando a un lado el presente, que nos invita a vivir el instante y el pasado que siempre nos lleva a vivir el retorno. En todos los casos para no repetirlo. De modo que realizamos un recorrido por el mundo de los espacios interiores y exteriores y ahondamos en los nuevos vínculos poéticos, no en los que nos han ayudado a crecer que han creado en nosotros nuestra vida, sino en nuevos espacios habitados, un nuevo subconsciente y un consciente que se construye desde una nueva sensibilidad y que nos arropa en un camino por descubrir plagado de nuevos sueños, protegido de la mirada de los demás, pero bajo la atenta presencia de sus silencios”.

- ¿Está a favor de que el espectador palpe sus esculturas?

“Tal como un Art de l’Avenir que nos habla y que es a quienes lo ven, a quienes corresponde interpretar lo que les dice como si de un eco de la realidad se tratase, se abre la posibilidad del encuentro mediante el tacto de quien la observa con las obras. Sin obligarlos a ello, desde la incomprensión y el secreto que puede impregnar la obra de arte, pues su concepto no es discursivo, sino figurado, irreal. Envuelto en un secreto que comunica lo inapropiable, lo permanente en la obra de arte pese a toda la hermenéutica, un secreto impuesto por la naturaleza no artística de la realidad. Obras de arte que viven en la consciencia de quien las contempla y que están más allá de lo subjetivo, entre lo real y lo subjetivo”.

- ¿Cuál cree que es el espacio natural de una escultura?, ¿la calle, los interiores?

“Como la naturaleza misma, la escultura puede ocupar espacios naturales y creados: la naturaleza, el hogar, museos o salas de exposiciones. Los talleres en que fueron trabajadas y vieron la luz. No hay espacios “sagrados” que acojan el arte, aunque en la actualidad los museos cumplen implícitamente dicha función al posibilitar destacar y potenciar las obras que presentan, facilitando la comunicación de la obra con el espectador. El espacio urbano no es ajeno a la escultura: plazas, parques o jardines acogen esculturas en las que es más frecuente el anonimato. El urbanismo de la modernidad ha ayudado a ello al crear escenarios propicios, habitables, que invitan a la vida social incluyendo obras o monumentos afines a los intereses de las personas”.

- Hablemos de su galería, el “Espacio y Taller de Arte Alfonso García (ESTAAG)”, ¿cómo nace?, ¿qué necesidades le llevaron a organizar esta propuesta?

“Inaugurado en 2014, el “Espacio y Taller de Arte Alfonso García (ESTAAG)” es mi propuesta expositiva permanente en la que creo y trabajo diariamente. ESTAAG cuenta con un espacio expositivo diáfano y también con un taller. Se trata de mi proyecto artístico donde, además, se encuentran aquellas de mis obras que conservo”.

FIRMA FOTO 1: Carlos Schwartz

Saludos, la oared blanca, desde este lado del ordenador

Vasco Szinetar expone un Homenaje a los escritores en el II Festival Hispanoamericano de Escritores

Martes, Agosto 27th, 2019

El fotógrafo venezolano Vasco Szinetar (1948), internacionalmente conocido por sus series de retratos de escritores, entre las que se encuentra su famosa Frente al espejo, con retratos de Jorge Luis Borges, Gabriel García Márquez, Emil Cioran, Mario Vargas Llosa, Roberto Bolaño, Salman Rushdie y un larguísimo etcétera, expondrá en la isla de La Palma una muestra de título Homenaje, que lo será a uno de los invitados más relevantes del festival, Mario Vargas Llosa, pero también a muchos de los escritores invitados a este festival que también han sido retratados por él en varias series fotográficas. Vasco Szinetar había sido invitado a disfrutar del Festival Hispanoamericano de Escritores e Isabel Santos, directora del Museo Insular, ha querido aprovechar su presencia para ofrecer en exposición algunas de sus obras, algo que tiene sentido tanto pensando en el público como pensando en los propios escritores invitados, más de 40. Tras la semana del Festival Hispanoamericano de Escritores (lunes 9 a sábado 14), está previsto que estas y otras obras de Vasco Szinetar recalen en el Museo Insular para una muestra más amplia.

El proyecto fotográfico de Vasco Szinetar surgió en los años 80, al retratar a Jorge Luis Borges frente a un espejo. Ahí comprendió el fotógrafo que ese trabajo debía tener una continuidad. Fue entonces cuando le surgió la posibilidad de retratar a Gabriel García Márquez, y, de este modo, se le fueron abriendo las puertas para retratar a otros muchos escritores. Considerado por algunos como el padre del selfie, debido a que su serie Frente al espejo podría semejar uno, sin embargo hay que señalar que, al contrario que en el selfie común de hoy, en la obra fotográfica de Vasco Szinetar se produce un discurso artístico que ahonda en el tiempo —en el instante fotográfico pero con una profundidad histórica—, ya que el fotógrafo aparece junto a los escritores en esos retratos: en su rostro se presencia el transcurso del tiempo a lo largo de la serie Quién era Vasco, quién es.

Saludos, ya falta menos, desde este lado del ordenador

Nombramientos

Martes, Agosto 6th, 2019



Juan Márquez Fandilño
(Las Palmas de Gran Canaria, 1984) estrena responsabilidad como viceconsejero de Cultura del Gobierno de Canarias. Una Viceconsejería aquejada en los últimos años de cierto e inquietante inmovilismo y una política de acciones patética, sin rumbo. Alguno podrá achacarlo al dinero, y tambièn, pero sobre todo a la falta de imaginación de los que hasta ahora han asumido tan alta responsabilidad.

Márquez Fandiño ocupa así el cargo que en la Adminstración anterior ocupó Aurelio González, así que hay expectativas de cambio, de cambio bruco de timón y nuevas propuestas y apuestas tras años de vaguedades, quiero y no puedo para estimular la Cultura en una región desvertebrada como la canaria, tan acostumbrada a que se le vaya el baifo.

De formación musical y bastante mucho más joven si lo comparamos con quienes le anteceden en el cargo, Márquez Fandiño tiene la difícil tarea de activar desde el Gobierno eso que llaman Cultura y satisfacer sin peligrosos equilibrios –se espera– a unos y a otros con la toma de decisiones que, deseamos desde este lado del ordenador, no resulten demasiado políticas. El talante debe ser otro. Centrado en la realidad de las cosas con el fin de defender la Cultura. Esa entelequia que él mismo define como “pilar fundamental de cohesión social y desarrollo”.

Bajo sus órdenes actuarán Rubén Pérez Castellano y María Antonia Perera Betancor como directores generales de Cultura y Patrimonio Cultural, respectivamente.

En cuanto al Cabildo de Tenerife Concepción Rivero (Ciudadanos o no) asume las competencias en Educación, Juventud, Museos, Cultura y Deportes mientras que en el Ayuntamiento de la capital tinerfeña Matilde Zambudio (Cs o no) se ocupa de las áreas de Promoción Económica, Sociedad de Desarrollo, Cultura y Patrimonio Histórico además de ser primera teniente de alcaldesa de la capital tinerfeña.

En el Cabildo de Gran Canaria, Guacimara Medina Pérez se encuentra al frente de Cultura. En el Ayuntamiento de la capital grancanaria descansa esta responsabilidad en Encarnación Galván González.

Saludos, veremos, desde este lado del ordenador

Fallece el escritor y pintor Enrique Cichosz Heuschkel

Martes, Junio 11th, 2019

El pasado 21 de marzo fallecía en Tenerife el pjntor y escritor Enrique Cichosz Heuschkel. Nacido en Barcelona en los estertores de la Guerra Civil pronto se trasladó con su familia a Canarias, donde se formó y educó.

Tras una estancia en Australia, tierra a la que emigró, recorrió más de cuarenta países hasta que se estableciò definitivamente en Icod de Los Vinos, tierra en la que se dedicó a su producción artística, sobre todo la pintura y la literatura. Es autor, en este aspecto, de varios murales y de dos novelas, la última de ellas titulada Leyenda del Mencey esclavo (Punto Rojo, 2016), que reùne en un mismo volumen tres novelas cortas que llevan los nombres de Ghummara, Achinet e Hispalis. Al parecer, el Ayuntamiento de Icod de los Vinos podría publicar una tercera.

Como pintor, el artista estuvo presente en varias exposiciones individuales y colectivas, en la que exhibió una pintura realista en la que solía mezclar elementos fantásticos.

Padre del guionista y dibujante de cómics, Enrique Cichosz Díaz, fallecido demasiado pronto en 2011, la ausencia de Cichosz Heuschkel se suma este año a la de, entre otros, el profesor de Historia Julio Hernández García y el poeta Juan Jiménez.

Saludos, gimamos, gimamos, gimamos, desde este lado del ordenador

Fallece el artista tinerfeño Juan Pedro Ayala

Domingo, Junio 2nd, 2019

El martes pasado, 27 de mayo, fallecía en su domicilio el artista Juan Pedro Ayala (Tenerife, 1972), una ausencia que deja un poco más huérfano el arte en Canarias y suscita la pregunta de hacia dónde estaba escorando su creatividad, más en un pintor del que no se supo mucho artìsticamente entre 2014 a 2017.

Entre los últimos trabajos de Juan Pedro Ayala, que datan de 2018, se encontraba Castillo 58, junto a Maribel Nazco dentro del proyecto A dos de la galería Magda Lázaro y Globo Rojo Sonda, que expuso en el Centro de Arte La Regenta en la capital grancanaria y en el que retornaba a la pintura “tras tres años de exilio. Huida justificada por dos grandes batacazos: la exposición Azul, realizada en el CICCA, Las Palmas de Gran Canaria. Y la muestra 15 años no es nada, llevada a cabo en el Espacio Cultural de Guía de Isora, Tenerife. Las fechas las he conseguido olvidar…”

Otras exposiciones de Juan Pedro Ayala fueron Día de perros (2011); Las once mil, Bestiarios y Árboles de ciudad.

Pintor que procuraba intentar “no pensar cuando estoy pintando”, sus primeras obras parten del arte pop y la ilustración expresionista para, más tarde, investigar el erotismo desde una perspectiva naturalista.

En su exposición El Jardín para Marián , dedicada a su compañera sentimental, Juan Pedro Ayla compartiò su trabajo “para regenerarse la sangre y para que no se marchite nunca la flor que pintó en su adolescencia. Un símbolo del amor donde nunca se mueren ni las flores, ni las manos, ni las ganas de explotar, ni de explorar para crear y recrear”, apuntaba en una nota informativa de la agencia Europa Press,

Vemos y además leemos que…

Miércoles, Mayo 15th, 2019

Vemos Un día sin fin (Giulio Manfredonia, 2006) que es algo así como la respuesta italiana a Atrapado en el tiempo (Harold Ramis, 1993) y nos quedamos con la boca abierta no por la sorpresa sino por el sopor que significa su contemplación. Salvo que el filme se rodó en las islas Canaria, concretamente en Tenerife, poco o ningún interés despierta esta cinta de pesadillescos y cómicos bucles temporales, que cuenta entre sus intérpretes con Antonio Albanese, Fabio de Luigi, Goya Toledo y Pepón Nieto.

Vemos El fotógrafo de Mauthausen (Mar Tarragona, 2018), unairregular película que aborda un aspecto muy poco conocido de los campos de concentación nazis como fue la presencia de prisioneros españoles, en esta ocasión centrado en la vida del fotógrafo español Frances Boix, que interpreta el actor Mario Casas y de cómo logró sobrevivir al infierno. La música de la película está escrita por Diego Navarro, quien no camufla la influencia del Jonh Williams de La lista de Schindler en su partitura. En cuanto al filme, cumple con su objetivo aunque resulta demasiado monótono y frío.

Un grupo de asociaciones culturales ha hecho publico su malestar ante la situación que vive la cultura en Canarias a través de un manifiesto que pueden leer si pinchan aquí. Esto de los manifiestos culturetas no es nada nuevo y suelen reproducirse en época electoral lo mismo que la de celebrar reuniones con el sector que pese a sus buenas intenciones, incluido el despiste del político de turno, no suelen llegar a ningún puerto. Con todo, un poquito deporfavor con este escrito que sin exaltaciones pide más o menos lo que se demanda cuando se acerca el día D y la hora H de votar. Recibimos no obstante con alegría este sos por la cultura, curtura para unos y para otros, que se hace en las islas

Saludos, gota a gota, desde este lado del ordenador