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Margara Russotto: “Nunca me convertí en poeta”

Miércoles, Septiembre 7th, 2022

Margara Russotto (Palerrmo, 1946) habla cuatro idiomas, portugués, inglés, italiano y español, aunque cuando escribe poesía solo utiliza una de estas lenguas: el español. Simultanea su creación con la de profesora de Literatura Latinoamericana en la Universidad de Massachusetts /Amherst, donde también enseña Escritura Creativa.

En su producción literaria destacan títulos como Sustentación del enigma; Cuatro ensayos sobre Clarice Lispector (Madrid, 2013) y Laboratorio lombrosiano - poemas sobre esculturas de Román Hernández (Firenze, 2012). A raíz de este último título, conoció al escultor tinerfeño Román Hernández, y fue en el Desván Blanco, el espacio cultural que dirige en la capital tinerfeña, donde Margara Russotto presentó algunos de sus libros.

La poeta nació en Italia pero su formación es latinoamericanista (egresada de la Escuela de Letras de la Universidad Central de Venezuela y con PhD de la Universidad de São Paulo) y es traductora de poesía y ensayo de autores italianos, venezolanos y brasileños. Su poesía ha sido parcialmente traducida al inglés, italiano, portugués y francés.

- ¿Cuándo siente por primera vez el impulso por escribir poesía?

“Me imagino que desde niña, cuando iba a la escuela. En aquellos primeros años ya escribía poesía y relatos. Textos de composición. Desde el primer momento me interesó la poesía pero en general la literatura. Recuerdo mis primeros años completamente fascinada por la poesía de Leopardi que leíamos en la escuela. Leopardi es el gran clásico de la poesía italiana. La llamada de la poesía me enseñó a verla incluso en manifestaciones ajenas al texto y a apreciar el nivel estético y poético de otras expresiones artísticas”.

- ¿Y cuándo se convierte oficialmente en poeta?

“Creo que uno no se convierte en poeta porque se trata de un aprendizaje continuo cuyo entusiasmo y esfuerzo puede desaparecer en cualquier momento. No, nunca me convertí en poeta. Mi primer libro publicado es un libro nefasto y pésimo que he querido borrar de mi vida. Se tratan de restos de un viaje. La obra se publicó en Venezuela a finales de los años setenta y es un poemario muy circunstancial, vinculado a la insatisfacción de la vida. Es un libro que a mucha gente le gusta pero que yo eliminaría porque son poemas primerizos en todos los sentidos”.

- Y desde aquel libro que prefiere olvidar al último ¿observa una evolución en sus creaciones poéticas?

“No hay nada que garantice que esta respuesta es más lúcida que la que podrían proporcionar otros lectores y ejerciendo ahora como otra lectora diría que hay constantes como la de la emigración, que reflejé en Épica mínima, que obtuvo el Premio Internacional de Poesía José Antonio Ramos Sucre en Venezuela, en 1995 o 1996, ahora no recuerdo con exactitud el año pero fue por esas fechas. La emigración se bifurca luego en otros temas: cómo vive la vida el emigrante porque todos lo somos en cierto modo. Otra constante de mi poesía podría ser la propia escritura y qué es la poesía. Y la condición de la mujer, mi propia condición. Hay más, pero son como diálogos de las artes a través de la poesía”.

- Y escribe Laboratorio lombrosiano - poemas sobre esculturas de Román Hernández

“Fue un proceso muy lindo, casi un cuento. En ese entonces no conocía a Román Hernández pero sí la existencia de sus cabezas que descubrí en un catálogo y que me impresionaron. Esto fue en Florencia. Aquellas cabezas me sacudían, presionaban y me irritaban. Sentí que las piezas querían decir cosas y a partir de ahí escribí varios poemas como si las cabezas hablaran, me hablaran como si formaran parte de mi. Una amiga común me puso en contacto con Román y cuando nos conocimos nació la idea en común de hacer algo juntos. La idea es que sin cabeza no hay poesía y sin poesía las cabezas flotan. Se trata de poesía ecfrástica, observar el arte en el sentido de ir a un museo y ver cosas que impresionan y a partir de ahí dejar que surja el discurso poético. El mismo título del libro lo dice: Laboratorio lombrosiano - poemas sobre esculturas de Román Hernández. Se trata de una reflexión sobre los límites de la inteligencia. Creo que se trata de un trabajo muy valioso ya que es una especie de comunión entre dos personas que producen una cosa nueva”.

- Escribe poesía, ensayo. Hace traducciones pero, sin embargo, no toca la novela, los cuentos… ¿Por qué?

“Me atrae mucho la novela y los cuentos pero si no los cultivo es porque me falta tiempo y, a veces, porque tengo en mente trabajar otras cosas, como un híbrido entre la poesía y el ensayo y que en mi caso va paralelo por cuestiones profesionales ya que mi trabajo en la universidad a veces se necesita escribir un comentario, un texto crítico. Esta actividad forma parte de la profesión académica. El crítico uruguayo Ángel Rama decía que no sabía porque amando tanto la poesía la vida lo había llevado a escribir sobre la novela… En mi caso, amo todos los géneros pero me he dedicado más a la poesía y no sé por qué”.

- Habla italiano, español, inglés y portugués. ¿En qué idioma escribe poesía?

“En español. Elegí conscientemente el español. Y sí, puedo traducirme a mí misma al italiano pero prefiero no hacerlo aunque, obviamente, reviso esas traducciones. Elegí escribir poesía en español porque amo esta lengua y es la lengua de mis padres”.

– ¿Y qué siente cuando lee uno de sus libros traducido por otro?

“No me traduzco a mi mismo pero procuro controlar las traducciones siempre y cuando se traten de lenguas que conozco o que conozco más o menos. Esto significa que respeto lo que hace el otro, el traductor, porque es resultado de un trabajo conjunto. Lo hice recientemente con mi último libro, en el que trabajé con la traductora su versión al portugués y prácticamente hemos construido juntas el libro. En las traducciones no obstante el centro es otro, el traductor, y la otra lengua un estímulo al que inspira un texto original firmado por mi. La traducción es un proceso muy complejo que lo determina el hecho de cómo te manejes en esa lengua y la relación que mantienes con quien te traduce”.

- En su caso, usted traduce poesía, narrativa…

“Todos los géneros. He traducido a los italianos Giuseppe Ungaretti y Claudio Magris y del portugués al escritor brasieño Oswald de Andrade, un vanguardista y del español al italiano a la poeta venezolana Antonia Palacios y Enrique Bernardo Núñez. El proceso a la inversa. En fin, que es una agonía traducir”.

- Imparte clases como profesora titular de Literatura y Cultura Latinoamericana en la Universidad de Massachusetts/Amherst. ¿Cómo reciben los alumnos las literaturas del sur?

“Mi alumnos vienen de todas partes del mundo y muestran un interés muy grande por América latina porque ahora se tiene más conciencia y se implican mucho en los social. Es un colectivo además que se encuentra entre dos culturas, la latina y la norteamericana que a veces logra fundirse pese a que sean dos realidades distintas que, eso sí, están entrelazadas. La literatura de los latinos en inglés es muy distinta a pesar de que exista ese puente que relaciona pasado y presente porque Estados Unidos es un país bilingüe, ya casi lo es, y diverso donde lo latino está completamente integrado”.

- Pero parece que la anterior administración intentó reducir el impacto del español en los Estados Unidos.

“Es una realidad que no pudo contrarrestar ni se podrá contrarrestar en el futuro porque está ahí, profundamente imbricada en ambas culturas. Esa es la gran fuerza los Estados Unidos”.

-¿Qué escritores latinos que escriben en inglés destacaría?

”Junot Díaz aunque las mujeres son muy importantes en esta literatura. Cuando empiezas a estudiar a este grupo, grupo por llamarlo de alguna manera, te das cuenta de cuán antigua es la conexión latina con la estadounidense”.

- Parece cosa del sueño americano.

- El sueño pero también la pesadilla”.

- Comenta que en esta literatura destacan las escritoras latinas.

“Se percibe el cambio, la mujer está en todo. Hay obras escritas por ellas que hablan de una realidad que hay que cambiar”.

- ¿Qué primeras lecturas la animaron a escribir?

“Hay varios primeros libros, son etapas de la vida. Uno es Gran Sertón Veredas del escritor brasileño João Guimarães Rosa Es su gran novela un libro intraducible aunque esté traducido a muchas lenguas. Gran Sertón Veredas es como el Ulises de la cultura del Brasil y leerlo es entender las raíces de ese país. En poesía Emily Dickinson fue una revelación. Es una poesía deshilachada por intervenciones en la realidad. Una poesía única. En mis primeras lectura aparece también Hölderlin y Leopardi. Los libros, de todas formas, te marcan de manera distinta, Cubagua, de Enrique Bernardo Núñez, es una novela lírica que a mi me acompaña siempre y que cuenta la historia de la destrucción de una pequeña isla que fue saqueada por sus perlas. Está escrita por un historiador al que los intelectuales criticaron mucho pero es un libro que a mi me marcó”.

- ¿Y ahora?

“Ahora estoy trabajando en cosas nuevas, en muchos proyectos. Me gustaría, más adelante, dedicarme a otros géneros. Tengo en prensa una selección de poemas en edición bilingüe, español e inglés y por mi trabajo como profesora escribo bastantes ensayos y artículos. Entre otros proyectos tengo el objetivo de traducir la poesía de Ana Marques Gastão, una escritora y poeta portuguesa” .

LIBROS

Margara Russotto presentó en el Desván blanco, en la capital tinerfeña, algunos de sus libros además de ofrecer una lectura poética. Una de estas obras fue Las cuatro estaciones de la poesía, que data de 2019 y que se trata de una antología que su autora estructura en cuatro partes que en el libro alegoriza con las cuatro estaciones. Es una edición bilingüe, español/portugués. Ahora trabaja en una obra en la que vuelve a proponer un diálogo con el arte, “una experiencia muy satisfactoria”, concluye, sobre todo porque desde el principio trabajó codo con codo con la traductora y sintió por parte de la editorial “un deseo firme de sacar el libro adelante”.

Saludos, miro al horizonte y…, desde este lado del ordenador

José Herrera: “Es hora de la ciencia, no de creencias”

Jueves, Agosto 18th, 2022

Para los que observamos el mundo del arte con cierto recelo, un recelo fruto probablemente de la educación recibida, la obra de José Herrera (San Cristóbal de La Laguna, 1956), fascina y desconcierta a la vez. El efecto se multiplica si se contempla Velar la forma, exposición que resume cuarenta años de trayectoria creativa y que se puede visitar hasta el 11 de septiembre en TEA Tenerife Espacio de las Artes. José Herrera ha contado con la colaboración de Gilberto González, curador, y Fernando Pérez como director de montaje para resumir una obra que permite entender más que una evolución los cambios y las constantes que permanecen pasen los años en la producción de un artista que no se siente cómodo si lo llaman artista porque, explica en la entrevista, es una persona que “abarca muchos frentes”.

De esto y otros muchos temas hablan los colaboradores que han participado con sus textos en el catálogo de Velar la forma, Gilberto González, Anatxu Zabalbeascoa y David Barro, y que unos y otros esperan que esté editado antes de que clausure la exposición.

- ¿Cómo fue trabajar con Gilberto González y Fernando Pérez, en la exposición Velar la Forma?

“Muy bien. La experiencia de formar un buen equipo con ambos ha sido muy importante para mí. Ha habido un enorme compromiso profesional por parte de Gilberto con la revisión y el trabajo desarrollado desde 1982 a 2022. Creo que las exposiciones Habitaciones (2014) y Días deshojados (2020-2021) fueron decisivas para materializar en el TEA este proyecto generando mucha ilusión.

Desde la propuesta inicial tuve muy claro que Fernando Pérez tenía que estar como director de montaje. La capacidad espacial de Fernando es muy rica y por lo tanto muy necesaria en todo el debate de selección e instalación de la obra.
Hemos conseguido traer obra al TEA que jamás se ha visto aquí. Piezas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Banco de España, Fundación la Caixa, Patio Herreriano, Centro Atlántico de Arte Moderno, Fundación Montemadrid, etc. están en esta retrospectiva”.

- ¿Qué orden lleva la exposición?

“Siendo esta exposición una mirada al presente pero también hacia 40 años atrás, necesitaba enfrentarme a un proyecto vivo. Como si toda la obra desarrollada en ese período de tiempo fuera de reciente creación. Por lo tanto, pensamos que las piezas no debían estar sujetas a un orden cronológico sino en función del diálogo entre ellas y la determinación del espacio. Una cuestión de reactivación”.

- ¿Y por qué Velar la Forma?

“Había que buscar un título para la exposición y que fuera globalizador. Siempre tengo cuadernos de trabajo en los que dibujo, escribo y reflexiono. En muchos aforismos encuentro siempre la forma, el paisaje, el lugar, el silencio, el interior, el espacio íntimo, el vacío, la soledad, lo insular, lo cósmico, etc.

En uno de estos textos aparece Velar la Forma. Este título recoge lo que siempre he hecho: cuidar, estar de vigilia, cubrir, ocultar a medias algo, cubrir con velo, estar de centinela, observar”.

- La exposición reúne 40 años de trabajo, ¿qué evolución aprecia en sus creaciones?

“Siempre en todo proceso creativo, de trabajo, hay una evolución, un crecimiento como sucede con la vida. El trabajo forma parte de mi vida, como los pensamientos y el desarrollo de nuestras capacidades entendidas de forma global. Forman nuestro desarrollo expresivo y de comunicación, nuestra naturaleza”.

- Aprecio no sé si una evolución pero sí una variedad en los temas y en los materiales utilizados para representar las obras. ¿Por qué? ¿Hay algún elemento por el que sienta especial atracción, con el que se sienta más cómodo trabajando?

“La diversidad de materiales es muy importante en mi trabajo, tienen memoria, son estímulos. Joan Miró decía que los materiales le excitaban. El trabajo se desarrolla en base a necesidades que tienen que ver con mi estado interior, con mis emociones y a través del paisaje y la naturaleza como filtros. La relación con el medio y el lugar son determinantes para canalizar esas partes de mí, íntimas, en silencio y soledad”.

- ¿Cómo definiría su proceso de creación?

“Como un proceso de introspección, de conocimiento y pensamiento. El tiempo en el trabajo de creación es otro tiempo, otro espacio, con muchas frustraciones e ilusiones. Convulso. Parte de mí muere y parte de mí se regenera, se cura.
En todo este proceso de creación, de vida, me causa mucho dolor la violencia sistemática que se ejerce contra nuestros espacios naturales y entornos, contaminación de nuestras aguas, ruido y contaminación lumínica. Antoni Tàpies decía que la ciencia había avanzado mucho pero que el ser humano lo había hecho muy poco. Me entristece profundamente la falta de sensibilidad.

Paralelamente a tantas y tantas cosas importantes en este proceso de vida efímero, desde los años 80 estoy repoblando de Laurisilva en una zona de Las Mercedes. Todo está relacionado, desde el cultivo de la tierra a la protección de plantas e insectos. El proceso de creación y de consciencia se desarrolla de forma global y en mi relación con el otro de manera respetuosa. Es una cuestión de cuidar, de velar”.

- José Herrera, ¿pintor, escultor, creador?

“Siempre contesto a esta pregunta diciendo, hago cosas. Hablo de otros y otras como artistas pero al hablar de mí me cuesta mucho considerarme como tal. ¿Se debe a que abarco muchos frentes y en todos con un gran compromiso?, es posible. En el texto que escribe para el catálogo de la exposición, Anatxu Zabalbeascoa dice: “Herrera ha ido pensando, dibujando y creando su corpus artístico. Es difícil definirlo porque, digámoslo ya, él mismo no se considera un artista. No es un escultor pero esculpe. No es un dibujante, pero lleva toda la vida dibujando. No es pintor pero emplea la acuarela como si fuera un bálsamo, la pintura como si circulara por venas y el lacado como si cicatrizara heridas”.

- A usted lo califican como un artista con cierto gusto por el minimalismo. Si fuera así, ¿por qué?, ¿qué encuentra en el minimalismo que no encuentra en otras corrientes artísticas?

“Mi trabajo siempre se ha desarrollado con elementos mínimos, esenciales, primarios y simples en lo formal con un planteamiento de apertura, digamos, hacia otros espacios que tienen que ver con lo poético, lo oculto, el vacío, la energía, el silencio y la soledad; con espacios de reflexión. Los artistas pertenecientes al Minimalismo, Arte Povera y Land Art son importantes en mi trabajo pero también lo son otros artistas como Louise Bourgeois, Joseph Beuys, Wolfgang Laib, Geogia O´Keeffe, Ana Mendieta, Ettore Spalletti, Richard Tuttle o Agnes Martin entre otros muchos históricos. Al final, dentro de las corrientes artísticas y movimientos, lo que queda son artistas con un trabajo sólido, comprometido. Es lo que verdaderamente me interesa. Me ayuda a seguir creyendo que en este momento de la historia de la humanidad el arte debe tener un compromiso social muy importante en defensa de la libertad de expresión, derechos fundamentales de las personas y en defensa de la protección y conservación de nuestra naturaleza, libre de especulación y explotación de nuestros limitadísimos recursos para la vida”.

- En el folleto explicativo de la exposición se dice que dos grandes constantes de su obra son el silencio y el espacio. De hecho, asegura que se escucha el espacio. ¿Qué sonido tiene?

“Nos movemos en el espacio, lo habitamos y estamos afectados por él, es determinante. Si formamos un todo con el espacio, con consciencia, el espacio se escucha, te “habita”. Silencio y espacio son, digamos, escenarios en los que debe transcurrir nuestra vida para desarrollar otras capacidades que tienen que ver con “pensar el mundo”. El sociólogo francés David Le Breton habla con respecto a la experiencia al caminar: “Reencuentras el cosmos, el mundo que te rodea, los árboles, los riachuelos, los ríos, los lagos. Te enfrentas al sol, la lluvia, la nieve. Tienes una sensación de pertenencia al mundo. Te dices que eres un puntito en esta inmensidad del mundo, y, al mismo tiempo, que este mundo te sobrepasa infinitamente”.

No sé si el espacio tiene sonido. Es posible que éste sea, como dice Le Breton, “de pertenencia al mundo”.

- Una de las piezas más llamativas de la exposición fue la de las sillas en el exterior de TEA Tenerife Espacio de las Artes. Estuvo un mes recibiendo a los visitantes de este centro. ¿Qué pretendió con esta experiencia de arte efímero?, ¿planeaba otras que, por alguna u otra razón, al final ni pudo llevarse a cabo?

“La idea era hacer una obra efímera en la rampa de acceso al centro, de planta triangular. Pensé realizar una obra en esa superficie con árboles de Laurisilva suministrados por los viveros del Cabildo de Tenerife. Para ello necesitábamos unos 2.010 árboles en macetas. Mi compromiso con la protección y repoblación me llevó a plantear este proyecto y al mismo tiempo a que el TEA representado en su director artístico Gilberto González, asumiera un compromiso de sostenibilidad, conservación y repoblación. Así fue. Yo iba a ser el cuidador durante todo el tiempo que durase esta maravillosa instalación. Aunque no hubo un informe oficial, sí hubo voces en contra de este proyecto por los enormes riesgos de supervivencia de estos árboles en cotas tan bajas. Desde hace mucho tiempo vengo diciendo que es hora de la ciencia, no de creencias. Estas personas son las que tienen el conocimiento no yo.

Cuando concluyera este proyecto teníamos pensado repoblar toda una zona de Jardina orientada al norte con el compromiso de mantenimiento y cuidado de todos y cada uno de los árboles.

Tenía otras ideas planteadas e inmediatamente cambié el proyecto ocupando la misma superficie e instalando 892 sillas abriendo la obra a la colaboración ciudadana. Esta colaboración consistía en donar sábanas usadas y trabajar con la memoria de las mismas. Podemos imaginar lo que sucede entre sábanas: enfermedad, ilusiones, amor, sexo, sueños, sufrimiento, etc”.

- Las piezas que se exhiben en Velar la Forma no llevan paneles explicativos ni el título de la pieza. ¿Por qué? ¿Por qué ese empeño en cultivar los espacios limpios, desnudos?

“Es muy importante para mí que el espacio esté limpio de otros estímulos que nada tienen que ver con la obra. Para ello y sin cometer el error por falta de información relativa a las obras de la exposición, se diseñó por parte de María José Arce un folleto desplegable con un pequeño texto y planos de cada uno de los espacios con créditos de las piezas instaladas. Pensamos que era la mejor forma de que el espectador se acercara a las obras. De manera limpia, digamos, de desnudez. Toda la información cerca de las piezas genera “ruido”. Esta concepción de limpieza y silencio del espacio fue debatida y compartida con Fernando Pérez (director de montaje) y con Gilberto González (Comisario).

Los espacios vacíos, los silencios, el interior de las obras, necesitan de un espacio equilibrado, en calma para transformar el espacio mismo en otra cosa. Nunca en un escenario, un escaparate, sino todo lo contrario, en algo vivo”.

- No ha realizado hasta la fecha piezas para ser expuestas al aire libre. ¿Es por alguna razón especial?

“Una vez, hace muchos años, me propuso una galerista de Madrid, canaria, hacer una obra para Garachico porque unos ingenieros decidieron que ahí podía ir una escultura. Me imagino que porque tenían que destinar un tanto por ciento de dinero público a ello. Esta persona contactó deprisa y corriendo conmigo para hacer algo. Cuando hablamos de presupuesto, pensando en hacer alguna escultura en bronce cerca del mar, no daba ni para la fundición. No acepté.
También hubo un intento por parte de un arquitecto de hacer otra pieza en Santa Cruz. La idea era hacer esto o lo otro con materiales de cualquier manera y en la medida de lo posible correr yo con casi todos los gastos. Tampoco acepté.
Muchas veces tengo la sensación, con las propuestas que hacen a los artistas, que tenemos que darnos con un canto en el pecho por contar contigo, dicho vulgarmente. Siguen sin considerar el trabajo del artista. Entiendo que no creen en el arte, no les afecta, no les emociona, ni “crecen” a través de él.

A muchas de estas personas no les gusta nada que les digas lo que piensas y rechaces sus proyectos. Al final, se creen que los verdaderamente protagonistas de todo son ellos. Por ahí vamos muy mal”.

- La exposición cuenta también con un área dedicada a su proceso como creador y a mostrar aspectos de su vida como artista. Podemos ver fotografías, bocetos, dibujos, piezas… ¿La selección de este material fue personal o intervino también el curador de la exposición?

“Esta selección de cubiertas de libros, textos, obra sobre papel, etc., estuvo a cargo fundamentalmente de Fernando Pérez. Tiene mucho criterio y capacidad”.

- Usted se califica como artista independiente. ¿Por qué resulta tan difícil ser un artista independiente en Canarias? ¿No ha supuesto esta independencia que su nombre aparezca y desaparezca de la escena artística casi como si obedeciera a ciertos caprichos personales?

“Hace muchísimos años pensé que tenía que conseguir un trabajo para poder desarrollar mis “cosas”, mi mundo interior, de manera independiente. Sin depender de nadie, solamente de mí mismo. He sido profesor durante 35 años en la Facultad de Educación de la Universidad de La Laguna. He colaborado con muchas personas en revistas, libros, exposiciones, obra conjunta, etc. pero siempre desde mi independencia. Dar tu opinión muchas veces ha provocado, y eso lo vengo padeciendo hace muchos años, ser invisible para esas personas y convertirte en enemigo. Es decir, estás conmigo o contra mí.

En este mundillo en el que nos movemos los egos son enormes. No soy así. Muchas veces me pregunto para qué trabajan en poesía, en arte, si no crecen como personas. Primero somos personas y después cada cual tiene la formación que tiene.
Yo no aparezco y desaparezco en mi vida diaria. Creo que tengo una vida intensa, sensible, frágil y vulnerable pero también muy rica, plagada de tristezas, sobre todo por la violencia contra nuestro Medio Natural, nuestra calidad de vida al fin.
Aparecer en este momento, digamos a la escena pública, ha sido por el trabajo desarrollado durante tantos años. Es lo que ha tenido en cuenta Gilberto González. Mi trabajo.

Nunca he buscado, ni me he aprovechado de ningún escenario político, todo lo contrario, doy un paso atrás muchas veces cuando percibo que hay una estrategia planteada y el arte importa poco o nada.

¿Esto quiere decir que jamás me he beneficiado del dinero público que gestionan las instituciones? Me he beneficiado en casos puntuales con exposiciones en la Península y centros de arte en Canarias. Como otros artistas que tratan de que su trabajo se visibilice. Trato de que no me utilicen. Cuando quieren contar con tu presencia en algún proyecto y haces preguntas, les molesta enormemente”.

- Tras Velar la Forma… ¿trabaja en alguna nueva exposición?

“No. Aunque mi cabeza no para de pensar en lugares donde podría hacer algún otro proyecto, pero todo se desarrollará en el tiempo. Tan necesario el tiempo como algo vivo. Muchas personas no tienen tiempo de tener tiempo”

FIRMA FOTOS: Estefanía Bruna (José Herrera) y Kike Armas (salas de la exposición).

Saludos, al habla con…, desde este lado del ordenador

Un museo de arte contemporáneo en la calle que es único en el mundo

Miércoles, Julio 20th, 2022

Los Llanos de Aridane acoge desde el año 2000 un museo único en el mundo, el CEMFAC (La Ciudad en el Museo, Foro de Arte Contemporáneo) que consta hasta la fecha de 32 piezas distribuidas en las paredes de los edificios que orillean las calles y plazas del municipio con obras de Ceesepe, Ouka Leele, Javier Mariscal, Francisco Rossique, Fernando Bellver, Hugo Piyyi, Luis Mayo, Javier de Juan, Andrés Rábago, García Álvarez, Pedro González, Alberto Oehlen, Jorge Fin, Gonzalo González, Carmen Cólogan, Okuda San Miguel, Mina Hamada, Chema Madoz, Sabotaje al Montaje, Karina Beltrán, Boa Mistura, 3TTMan, Sara Fratini, Okiman, DoctaWear, Julio Nieto, Aicha El Belou y Rubén Martín de Lucas.

Ha sido tal el interés de esta experiencia que los responsables del CEMFAC, con Ricardo Suárez Acosta (1976) al frente, han internacionalizado la iniciativa a Maputo, Fort France y Quito, entre otras ciudades del mundo.
Los sentimientos se mezclan cuando uno recorre las calles de Los Llanos de Aridane y se tropieza durante su itinerario con este fabuloso museo al aire libre al que la ceniza del volcán no hizo daño. El museo, que ya forma parte de la ciudad, es un reclamo para los aficionados al arte contemporáneo y sus obras, explosiones de color y fantasía, enriquecen a una ciudad que apuesta por la cultura.

- ¿Cuándo surge el proyecto?

“El proyecto, que ahora es una realidad, nace en 1999 con motivo de la celebración del centenario de la obtención del título de ciudad de Los Llanos de Aridane (1899-1999). Ese año se organizaron una serie de actividades y pensamos que además del acto de descubrir la poco original placa de bronce para conmemorar esta efeméride, que al final no se hizo, por qué no reflejar este acontecimiento colgando grandes cuadros, a modo mural, que manifestasen esto. Así que se aprovecharon paredes medianeras de edificios del centro urbano, que el desacertado desarrollismo de los años 50, 60 y 70 incrustó en éste, como ha ocurrido en otras muchas ciudades canarias y peninsulares, y usarlas como solares de una ilusión y que fueran la génesis de un museo. Y comenzamos a trabajar en esta historia: desarrollar grandes cuadros realizados en madera, a modo mural, y con la misma apariencia, pero con diferencias técnicas.

La idea inicial fue realizar cuatro piezas, dentro de los actos de este centenario, obras de Francisco Rossique, Fernando Bellver, Higo Pitti y Luis Mayo, que trabajaron sus piezas en torno a la idea o tema de la ciudad; así que lo que nació como una utopía se convirtió en una realidad con el impulso del alcalde de Los Llanos de Aridane en aquel momento, Juan Ramón Hernández Gómez, quien apostó por la idea, por lo innovadora. Fue un alcalde que pensó en la contemporaneidad de una ciudad que comenzaba a progresar y desarrollarse, en un buen momento económico, donde las infraestructuras básicas municipales se estaban cubriendo, así como el hecho de peatonalizar el centro urbano, iniciativa acertada, y en comunión con el CEMFAC”.

 - ¿Y cuándo empieza a convertirse en realidad?

 “El CEMFAC es una realidad entre mayo y junio de 2000, con la instalación de las tres primeras piezas, aunque su andadura teórica es de un año antes. Hoy esta colección de arte en la calle está compuesta por 32+4 piezas”.

 - ¿Se trata de una experiencia que ya se conoce en el mundo artístico?

 “Infortunada y desgraciadamente no se conoce como quisiéramos, tanto en el ámbito cultural regional como en el exterior. Por este motivo hemos creado, desde hace unos años, el proyecto de internacionalización del mismo para promocionarlo y darlo a conocer. En el III Congreso de Museos que se celebró recientemente en Santa Cruz de La Palma muchas de las personas asistentes no lo conocían, con sus más de veintidós años de andadura, lo que hace reflexionar sobre esto. Pero que no se conozca por profesionales de los museos en Canarias, o del ámbito cultural en general, por las singularidades y peculiaridades del mismo, es algo que deberíamos de estudiar, tanto desde un punto de vista endógeno como exógeno”.

 - ¿No fueron invitados al Congreso?

 “No. No entrábamos dentro de las temáticas del mismo en esta edición y tampoco nos pareció oportuno presentar comunicación o sesión póster. Después de una andadura de más de veinte años, ser un museo que está en la isla de La Palma con unas características-singularidades que lo hacen único en el mundo, estar constituido como museo a nivel municipal (esperando por elevarlo a nivel insular más de un año por falta de documento al respecto desde la administración insular), incluso haber solicitado participar con una conferencia en el Congreso (con mucha antelación) son suficientes motivos por sí para participar meramente como asistentes al mismo”.

 - En el Museo participan artistas internacionales, nacionales y canarios.

 “Desde el inicio se pensó en la participación global de creadores de cualquier lugar, pero siempre teniendo un plantel de reconocidos artistas canarios como es el caso de Pedro González, Gonzalo González, Carmen Cólogan, Hugo Pitti, ente otros, conviviendo con artistas españoles y extranjeros, como se está desarrollando, en la medida de nuestras posibilidades. Recordar que estamos ante un museo con las limitaciones obvias de un municipio medio en Canarias”.

 - ¿Cómo se propone que participe al artista? ¿Le dejan libertad creativa?

 “Las cuatro primeras piezas sí que tenían un tema común: la ciudad de Los Llanos de Aridane (en referencia a los actos del Centenario). Pero a partir de septiembre de 2000 todos los artistas que han participado en este museo en la calle han realizado la obra que han querido, ya que si se pretende tener una pieza, sea al caso, de Javier Mariscal o de Sabotaje al Montaje, la idea es que sea netamente de ellos y no que actúen con un tema en concreto que no se ajuste a lo que quieran o determinen las especificidades de su obra en ese momento o lo que el enclave de la pieza les sugiera”.

 - El Museo cuenta con cuadros, murales, fotografías.

 “El CEMFAC comenzó su andadura con cuatro cuadros, como he mencionado, y hoy ya cuenta con dieciséis, realizados en soporte madera, que es una de las singularidades de esta pinacoteca. Que sepamos, y con estas dimensiones no hay en otros lugares y menos con esas especificidades. La madera nos permite durabilidad, portabilidad y que las obras se puedan restaurar-intervenir, siendo esto último lo que ocurre en manos de los propios artistas, que tratan sus piezas en este proceso. En 2004 se participó en ARCO con la recreación de una medianera en el patio central de acceso a la feria trasladando la obra de Andrés Rábago (El Roto), La ofrenda, a la vez que se diseñó una maqueta transitable de la ciudad de Los Llanos de Aridane, en la que se podía entender y ver el desarrollo, en aquel momento, del CEMFAC. En la actualidad se está valorando el préstamo de la pieza de Ceesepe, Victorino, de casi setenta metros cuadrados de superficie, por parte de los responsables de la muestra en Madrid, para una magna exposición del artista fallecido en 2018, la cual sería una pieza para poder sumergirse, de manera real, en el universo de este creador vinculado a la Movida madrileña.

En 2008 llega la crisis y el CEMFAC se ve seriamente afectado por ésta; no se puede seguir con la realización de piezas en madera, por el alto coste de las mismas, y se comienzan a adquirir fotografías, así como a trabajar con reconocidos artistas urbanos. Fotografías de Chema Madoz y, la recientemente desaparecida, Ouka Leele, premios nacionales de fotografía, de la canaria Karina Beltrán, o la última adquisición, foto de Rubén Martín de Lucas, tomada en la playa del hoy inaccesible barrio de Puerto de Naos, por los gases motivados en la erupción del volcán aún sin nombre”.

- ¿Las creaciones se trabajan en Los Llanos o la trae el artista a la ciudad?

“El artista realiza la obra en Los Llanos de Aridane, en estudios habilitados para la ocasión, y con alguna excepción se han realizado en sus talleres y después trasladada a su emplazamiento definitivo. Vienen con una idea preconcebida, abocetada, pero cuando conocen La Palma y el entorno del Valle de Aridane, la modifican e intervienen al introducir elementos relacionados con este escenario, en muchos casos. En algunos casos después de conocer la leyenda o mito de San Borondón introducen la misma en la obra, como es el caso de Javier de Juan, Jorge Fin o Fernando Bellver. En el caso de Fin y Bellver los títulos de sus obras son Las ciudades de San Borondón y Vista de La Palma desde San Borondón. Para nosotros, para el público, es un aliciente que los creadores introduzcan elementos del lugar en sus cuadros sin que nadie se los pida. Es lo que nos ocurrió con la pintora japonesa Mina Hamada, quien tras visitar la isla reflejó la orografía, los asentamientos urbanos que vio en la costa, las frutas, las estrellas que descubrió en la isla y las introdujo, todo ese maremágnum, en su pieza. La telúrica de esta isla cautiva siempre a los artistas”.

 - Los artistas entonces realizan su obra en Los Llanos de Aridane.

 “Así es. Como comentaba una de las condiciones que ponemos, entre comillas, es que la pieza la realicen aquí, siempre y cuando puedan hacerlo. Se trasladan a la isla y conviven durante una semana, diez días, un mes o mes y medio para hacer su obra con el fin de empaparse, de hacer scouting del entorno. En el caso de Hugo Pitti, por ejemplo, introduce elementos de la vida y la muerte de la ciudad: se pueden ver los laureles de la Plaza de España, sus terrazas, el devenir ciudadano, un entierro y su cortejo fúnebre, en el que aparecen personajes conocidos y reconocibles por el artista, un cuadro dentro de un cuadro (un mural en una medianera que tiene que ver con En el muelle de san Blas, la canción del grupo mexicano Maná)”.

 - ¿Cómo se escoge a los artistas?

 “Las propuestas, desde la génesis del CEMFAC, son expuestas por los responsables de este museo en la Concejalía de Cultura y aquí son valoradas, estudiadas, evaluadas, para acabar seleccionando aquellas propuestas que se adecuen a las necesidades oportunas. Los responsables elaboran tanto el discurso teórico como el conceptual de esta exposición de pintura, con casi carácter permanente, convirtiéndose en los máximos conocedores de las temáticas y creadores, y por tal motivo se le otorga al discurso expositivo de un contenido científico. Los artistas deben tener una trayectoria reconocida, así como un perfil que se adecúe a las necesidades espaciales que se soliciten”.

 - La reciente erupción del volcán afectó a las obras del CEMFAC?

 “A priori ninguna de las obras del CEMFAC ha sufrido daño alguno, tanto por la ceniza, como por la caída de partículas mayores de arena, lapilli. También se han revisado las estructuras en los edificios, ya que hubieron movimientos sísmicos, y tampoco ha habido ningún problema para los propios inmuebles, así como para las obras ancladas a éstos”.

 - El Museo en la calle de Los Llanos sale de la ciudad y se internacionaliza.

 “En efecto, el CEMFAC sale de la isla con la idea de darlo a conocer, pero también con el fin de dejar nuestra impronta teórica en ciudades con posibilidades y cimientos de poder ser ciudades museo. Por ejemplo, Maputo, Mozambique, es una ciudad que tiene un gran potencial para este desarrollo, y trabajamos en una de sus medianeras con una obra en la que intervino el colectivo Boa Mistura, como inicio de un proyecto de arte público. Además se proporcionó formación a los técnicos del Ministerio de Cultura y del propio Ayuntamiento de Maputo para este mismo asunto y darles herramientas, unas bases, para que pueda hacerse realidad. También en Fort de France, en Martinica, hemos hecho lo mismo. Explicar el proceso constructivo de nuestro museo en la calle por medio de una exposición y la ejecución de dos piezas obras de Sara Fratini y de 3TTMan en el marco del festival Mil Murs. Por otro lado en el caso de Quito, Ecuador, fue la propia Embajada de España la que se pone en contacto con nosotros para poder desarrollar un programa de arte urbano allí, conjuntamente en su inicio, con el Instituto Metropolitano de Patrimonio de la ciudad, que se denomina CaminArte. Finalmente se realiza una pieza en el entorno de la Avda. 24 de Mayo, anexa al centro histórico, de Okuda San Miguel para arrancar con esta iniciativa, además de poder formar a los técnicos de este instituto en la creación de un museo tomando como partida el CEMFAC y viendo la idoneidad de convivencia entre un centro patrimonial con el arte contemporáneo. También se ha trabajado y cooperado con otros lugares como en Senegal, en el marco de su Bienal, o en Cabo Verde, y en la actualidad proyectos con ciudades como San José (Costa Rica), Medellín, Comuna 13 (Colombia), Bata (Guinea Ecuatorial)”.

 - Están exportando la experiencia del Museo en la calle.
 “Exacto, estamos intentando crear una red de museos de arte público en la calle. Nosotros damos las primeras nociones, les trasladamos los conocimientos adquiridos en estos más de veinte años para que comiencen a trabajar con el fin de hacerlo una realidad”.

 - ¿Hay alguna obra a la que le tenga especial cariño?

 “¡Qué compromiso! Pero la contestaré sin rodeos, ni respuesta laberíntica. Creo que en este momento, y después de la que hemos pasado aquí entre la pandemia, el incendio urbano, la erupción volcánica, la pandemia otra vez, los verdaderos efectos del volcán (que se empiezan a ver ahora), me quedo con Querer Volver de Boa Mistura. Este mural, que recientemente se restauró por un problema de humedades en la pared, resurge de las cenizas, para darnos fuerzas a los que vivimos en el Valle de Aridane y hemos y seguimos padeciendo sus consecuencias. También me interesa la obra de Jorge Fin, Vista de La Palma desde San Borondón, y el juego que hace con ella, donde son los borondianos los que ven el oeste de la isla, pudiendo jugar con el mito a la inversa: los habitantes de esa isla conviven con la leyenda de que una isla que se llama La Palma aparece y desaparece al este y que muy pocos han podido ver. Creo que todas me aportan cosas. Landscape de García Álvarez modificó un espacio un tanto carcelario, las piezas de Okuda San Miguel y Mina Hamada aportan concepto y color, Fernando Bellver, Sabotaje al Montaje, Luis Mayo, Carmen Cólogan, Javier de Juan,…, es que todas tienen su historia, reflexión, anécdotas. Con esta iniciativa se intenta perturbar el aspecto monocromático que tiene, que tienen, las ciudades, actuando con color e iluminando nuestra realidad cotidiana que nos tiene tan absorbidos”.

 - ¿Qué impresiones saca tras conocer a los artistas?

“Me quedo con la profesionalidad y la valentía de enfrentarse a superficies fuera de lo normal. Desde Pedro González o Carmen Cólogan con las piezas de menor dimensión a Hugo Pitti o Javier de Juan, con dos obras que podemos denominar de ciclópeas. Ceesepe cuando se enfrentó, por primera vez, al blanco de la pieza comentó “Esto parece un Victorino” haciendo alusión a los astados de esta afamada ganadería taurina, quedando así titulada su pieza, antes de comenzarla. Además de los aspectos más profesionales también me quedo con el trato personal con cada uno de ellos, es continuo aprendizaje en todos los sentidos. Destacaría también que artistas de estudio fueron los primeros en el CEMFAC en hacer estas piezas hace más de veinte años. Hoy se ve como algo más usual que artistas urbanos intervengan grandes muros, pero en aquel momento, y seguimos haciéndolo, fue un hito”.

 - Las piezas son de varios formatos.

“Las piezas oscilan entre los catorce y los ciento cuarenta metros cuadrados de superficie en lo que a los cuadros se refiere, y entre cincuenta y cuatrocientos los murales. Pero esto no es una competición de dimensiones, sino adecuarnos a la fisonomía del laberinto ordenado de la ciudad, a sus espacios, sus medianeras, paredes de solares, muros sin sentido estético. Se pretende comenzar con piezas más pequeñas, con carácter temporal, para jóvenes creadores del panorama regional, pudiendo llegar a convenios con la Facultad de Bellas Artes de la ULL, escuelas de arte. Hace unas semanas fuimos invitados por la Universidad Francisco de Vitoria, en Madrid, a hablar de esta iniciativa, del CEMFAC, y se crearon inquietudes de participación entre los alumnos de Bellas Artes de allí. Sin ser petulantes, ni vanidosos, nos gustaría que hubiera el mismo interés desde las administraciones educativas nuestras, y decir que lo que se hace en islas menores y fuera de normas academicistas, un tanto endogámicas, también puede ser legítimo en la vida expositivo-cultural”.

 - ¿Cómo percibe el vecino este museo?

 “El vecino ya lo entiende como algo suyo. Las piezas del CEMFAC se convierten en parte el paisaje urbano y son adoptadas en la inercia de su crecimiento. Son muchas las actividades que se hacen con escolares vinculadas al museo en la calle por lo que lo conocen; estos niños se hacen adultos y entienden el museo como algo propio, es lo que ocurre” .

- ¿Algunos de los artistas han demorado la entrega de la obra?

 “Hasta el momento todos han cumplido con los plazos, que ellos mismos ponen, pactados con el Área de Cultura-CEMFAC del Ayuntamiento. Dadas las características y peculiaridades siempre se deja un margen de error, pero como digo no hemos tenido que llegar a modificar fechas en la entrega”.

 - Hablemos de museos.

 “Desde hace más de un año, concretamente desde el 24 de junio de 2021, se aprobó en Pleno del Ayuntamiento la constitución del CEMFAC como museo, dando cumplimiento a lo que marca la nueva Ley de Patrimonio Cultural de Canarias de 2019. Creemos que es una referencia, pues que sepamos no hay ningún otro museo con estas características como tal, si bien hay denominaciones como museo que no cumplen con lo establecido en esta Ley”.

 - ¿El próximo artista?

 “Lidia Cao, una artista urbana e ilustradora gallega, con una trayectoria singular que se ha posicionado como una de las más importantes artistas nacionales en su campo. El CEMFAC tiene una deuda con las mujeres creadoras por lo que se está intentando saldar esa deuda lo antes posible, con artistas de indudable calidad, y con trabajos referencia en el mundo del arte actual. Será un mural que se presentará en la segunda semana de julio”.

 - ¿Y en el extranjero?

 A finales de junio se presentó una pieza en Fort de France (Martinica) que está vinculada a un festival de arte urbano que se llama Mil Murs, obra del artista francés 3TTMan. Este será nuestro aporte al crecimiento de ese festival como museo en la cuidad. Para el resto del año, como comentaba, se trabaja con nombres de artistas que tengan obra en el CEMFAC para darlo a conocer con estas acciones de internacionalización en Guinea Ecuatorial, Costa Rica, Colombia, Cabo Verde”.

 - ¿Hay algo parecido al CENFAC en otra parte del mundo?

 “Que sepamos con estas especificidades técnicas no. Si existen multitud de festivales de arte urbano por todo el mundo en un momento de expansión de esta forma de intervenir el espacio público. Es verdad que de manera un tanto torpe se intenta emular lo que comenzamos en Los Llanos de Aridane en otro municipio de la isla. Creo que no es la forma más adecuada de hacer las cosas puesto que si todos empezamos a copiar lo que hace el vecino de al lado se desdibuja la esencia de un proyecto pionero, siendo desleal al mundo de la cultura y por extensión de las tradiciones”.

Saludos, y no, no es una fake news, desde este lado del ordenador

La cultura en Canarias, otra vez a debate

Lunes, Junio 20th, 2022

Que los tiempos no son nada propicios por mucho que insista el viceconsejero de Cultura que se trata de todo lo contrario se traduce no ya solo en la falta de apoyos a su proposición de ley, ya admitida a trámite, que no cuenta con el respaldo de uno de sus socios de gobierno, los socialistas del Cabildo de Tenerife, sino por los nervios que unos y otros están aguantado. Sobre todo tras los espectaculares resultados obtenidos por el PP en las elecciones andaluzas, cifras que conocimos ayer mismito.

Que la cosa está revuelta, con whatssap incendiarios, presbicia física y espiritual de algún iluminado al que se la ha pasado la rosca, lo pone de manifiesto que nunca, hasta estos tiempos (al menos que uno recuerde), se había invitado tanto a que la gente se movilizara si no para defender sus derechos sí al menos para hablar de ellos.

Viene todo esto a colación del Encuentro por la cultura que está previsto para hoy, lunes, y mañana martes también, en el Laboratorio Escénico (calle de Baltasar Gracián, 12) a partir de las 10 de la mañana, en La Laguna y este martes, pero a las 20,30 horas, en Gabinete Literario (plaza de Cairasco, 1), en Las Palmas de Gran Canaria.

Organiza el Movimiento de Artistas y Gestores Culturales por la Música y las Artes plásticas (MAGMA), que debe ser de reciente creación porque no sabíamos de su existencia hasta ahora.

Entre los temas que se tratarán en esta jornada se hablará de circuitos, sobre la proyección exterior de las creaciones canarias, la gestión de los espacios culturales públicos y sobre el enredo y la burocratización de las ayudas. Ya veremos que da de sí esta reunión, pero se recalca que a quien proceda debería de llamarle la atención estas asambleas para discutir la realidad del sector, en especial porque se reproducen últimamente con un entusiasmo que debería de dar vértigo a la autoridad.

Quedan oficialmente avisados

Jueves, Junio 2nd, 2022

* El equipo Para, situado en la calle de La Marina de Santa Cruz de Tenerife, acoge mañana, viernes, 3 de junio, la presentación de la novela La isla de las palabras, de Patry Díaz. El acto dará comienzo a las 20 horas.

* Paisajes de la memoria, una exposición de Alfonso García, se expone a partir de este viernes, 3 de junio, en el Espacio Bronzo, en La Laguna. La colección permanecerá abierta en esta sala hasta el 1 de julio.

* Desván Blanco, en Santa Cruz de Tenerife, acoge a partir de este sábado, 4 de junio, la exposición Naturaleza ingrávida, collages y libros de artista de Carmen Isasi. La inauguración comenzará a las 19 horas.

* La sala de exposiciones del Cabrera Pinto, en La Laguna, presenta este sábado, 4 de junio, una retrospectiva de la artista Pepa Izquierdo, que recoge parte de su producción entre 1966 a 2022. La inaguración es a las 12 horas.

Saludos, quedan avisados, desde este lado del ordenador

Alertan de la “desaparición progresiva” de los estudios artísticos en Canarias

Jueves, Mayo 12th, 2022

Nos hacen llegar el siguiente manifiesto que reproducimos a continuación, y en el que se alerta de “la desaparición progresiva de los estudios artísticos en el Archipiélago”, lo que ha motivado una “gran motivo de preocupación para los docentes de dibujo por el veto a las artes en las aulas de Canarias”.

El manifiesto tiene su origen en el descontento generalizado entre el profesorado de Dibujo en Canarias, por lo que se anuncia la movilización de este colectivo “en esta y posteriores acciones para que nuestra voz sea escuchada en la Consejería de Educación de Canarias y rectifique su rumbo”. Demandan, en este sentido, el respaldo de “todas aquellas asociaciones, movimientos, personalidades, etc., que apoyen las artes como parte fundamental de la educación y así lo deseen, muestren su apoyo a este manifiesto”.

“Alertamos sobre la intención del Gobierno de Canarias de restar importancia y hacer desaparecer de la enseñanza los estudios artísticos en los centros docentes de las islas, tanto en la Enseñanza Secundaria Obligatoria (ESO), como en los bachilleratos artísticos y de humanidades, así como en los centros de Enseñanza para Personas Adultas.

En el borrador del nuevo currículo educativo publicado por la Consejería de Educación se reducen las horas de docencia a las materias artísticas, y estas pasan de ser comunes para todo el alumnado a ser opcionales, lo que pone de manifiesto la nula importancia que le otorga la Consejería de Educación a las enseñanzas artísticas en sus nuevos planes.

En lo relativo a la educación artística en la ESO, la educación plástica visual y audiovisual deja de ser una materia troncal o común para todo el alumnado y se la relega a la opcionalidad, y desaparece la materia Prácticas Comunicativas y Creativas, perdiéndose así un año entero de formación en el que se dedicaban dos horas semanales a las prácticas artísticas, impartida conjuntamente por el profesorado de lengua y de música en primero de la ESO, y por el profesorado de lengua y de dibujo en el segundo curso.

Se destaca la importancia de estas materias, que permiten vincular la creación artística con la componente emocional, lo que ha posibilitado que el alumnado aprenda a comunicarse a través de las artes y a integrar el pensamiento creativo en todas las vertientes de su actividad intelectual, incluidas entre otras, la científica o la tecnológica.

Las materias artísticas ahora pasarán a ser opcionales en tercero y cuarto de la ESO, por lo que el alumnado llegará a los estudios de bachillerato habiendo cursado únicamente un año de Educación Plástica, Visual y Audiovisual, con una cantidad ínfima de horas en toda la ESO, con el perjuicio que ello supone para sus posibilidades de éxito en los bachilleratos artístico o científico.

El Real Decreto 217/2022 crea una nueva materia llamada Trabajo Monográfico, a la que el profesorado de dibujo y de música tienen mucho que aportar, y sin embargo no se ha tenido en cuenta a las especialidades artísticas. Proponemos la creación de una materia en la que la tecnología y el dibujo estén relacionadas, que serviría como base formativa para futuros estudios de arquitectura, de diseño gráfico o de diseño industrial.

En cuanto a los estudios de bachillerato, la situación planteada en el borrador del nuevo currículo también resulta alarmante, puesto que en el bachillerato de artes se ha reducido significativamente la presencia y el peso relativo de las materias Cultura Audiovisual y Fundamentos Artísticos, obligatorias y con dos cursos de duración, que pasarían a impartirse de forma opcional y únicamente durante un año.

Del mismo modo, en el bachillerato de humanidades se plantea la eliminación del Dibujo Artístico en sus dos años de estudios. Asimismo, se degrada la Cultura Audiovisual, al dejar de incluir esta entre las materias evaluables del Bachillerato para el Acceso a la Universidad (EBAU).

La situación de la Educación Básica de Personas Adultas, impartida en los centros de adultos (CEPA) también se ve enormemente afectada, puesto que en el “Borrador de Orden reguladora de la Educación Básica de Personas Adultas” de Canarias, se eliminan del Ámbito Social los contenidos artísticos:

expresión plástica y música, por lo que el alumnado se verá absolutamente privado de recibir formación en estos aspectos, al estar ausentes del currículo a partir de ahora.

Según el reciente Real Decreto 217/2022, de ordenación y enseñanzas mínimas de la Educación Secundaria Obligatoria, es potestad de las Comunidades Autónomas el añadir los aspectos básicos de las enseñanzas mínimas de estas materias, pues estas disponen para integrarlos del cuarenta por ciento del currículo (disposición adicional tercera, punto 3. en relación con el art. 13.3), asegurando así al alumnado una formación integral y de calidad, impartida por docentes expertos en las materias que se eliminan respecto al currículo actual.

A la hora de diseñar los nuevos currículos, la Consejería de Educación del Gobierno de Canarias debería consultar al profesorado que impartirá las enseñanzas artísticas en la ESO, en los bachilleratos y en la Enseñanza de Adultos, puesto que son los verdaderos expertos en la materia, y que han estado y continúan estado dispuestos a aportar su conocimiento y su experiencia para el beneficio de la calidad educativa en nuestro ámbito de actuación.

Consideramos que en pleno siglo XXI, marginar a los estudios artísticos es un claro retroceso que recuerda a las enseñanzas del siglo pasado, donde solo se fomentaban la expresión escrita y las matemáticas, puesto que, en el actual mercado laboral, y aún más en el del futuro, se exigirá saber trabajar en equipo, ser creativo y utilizar el pensamiento divergente y autónomo, competencias todas ellas que se desarrollan a través de las enseñanzas artísticas más que de ninguna otra. A lo anterior se le añade que, en el alumnado adulto las enseñanzas artísticas contribuyen al fomento de su equilibrio mental, a la reducción del absentismo y al refuerzo de su autoestima.

Según la UNESCO, “el arte nutre la creatividad, la innovación y la diversidad cultural, y desempeña un rol importante en el intercambio de conocimientos y en el fomento del diálogo” [...] “Al fomentar el desarrollo del arte, se fomentan los medios a través de los cuales lograr un mundo más libre y pacífico”.

Consideramos imprescindible que la Consejería de Educación canaria adopte una visión vanguardista en el campo educativo, aplicando el punto 8 de la LOMLOE, que señala como uno de los diez “desafíos del sistema educativo español” [el] “aumentar las vocaciones STEAM especialmente en chicas” (Science, Technology, Engineering, ARTS, Maths), evitando perpetuar la jerarquización de disciplinas y saberes, y en la línea de agrupar los campos del conocimiento en una única área, definida por el acrónimo STEAM, incluyendo y potenciando la presencia de las artes en el currículo de toda la
enseñanza.

Apoyan este manifies

Saludos, aquì, donde siempre, desde este lado del ordenador